Educación musical y escénica

Se presenta una propuesta artística y performativa en la que se pretende concienciar al alumnado sobre un tema muy presente en el mundo en el que vivimos: los refugiados. El arte adopta un papel de denuncia siempre adaptado al contexto educativo en el que intervenimos: el ciclo superior de educación primaria. Música, poesía, danza y artes plásticas confluyen gracias a un trabajo colaborativo entre el alumnado y el profesorado de una escuela integrada de educación artística.

El proyecto Soy Ópera acercó la ópera a las infancias desde el juego y la creación colectiva integrando música, teatro y danza. Niños, adolescentes y docentes trabajaron juntos para transformar el jardín de infantes1 en escenario donde construir escenas y vínculos emocionales. La ópera dejó de ser un género lejano para convertirse en una experiencia viva y accesible para todas las edades.

En este artículo se exponen los beneficios que comporta desarrollar un «cuerpo que escucha» como parte de la educación musical, gracias al uso de la Plástica Animada de Émile Jaques-Dalcroze. Se presentan los antecedentes de esta estrategia artística y educativa, aplicable a distintos contextos, y se comparte una experiencia llevada a cabo con estudiantes de música. Dicha experiencia constata que la Plástica Animada puede ser una herramienta poderosa para desarrollar sensibilidad y conciencia a través de un nivel profundo de escucha y convierte la música en algo visible y corpóreo que puede ser trabajado en las aulas y llevado a la escena.

La experiencia performativa musical se identifica con la representación en vivo de una obra musical en un espacio-tiempo compartida con un público. El concepto de performatividad en el ámbito de la Música (Kartomi, 2014) engloba el conjunto de aspectos que incorpora el intérprete en su representación, vinculados con la pieza, el estilo, la competencia y la actitud que determinan el nivel expresivo. La integración y la evaluación educativa de la práctica performativa musical implican el análisis de su valor educativo y artístico y la interpretación en el proceso educativo musical.

Este artículo ofrece una compilación de propuestas didácticas para activar el cuerpo y la conexión colectiva. Quiere evidenciar la importancia de preparar el espacio interno antes de iniciar un proceso creativo o una sesión escénica. Reflexiona sobre la importancia de las actividades preparatorias o de calentamiento para conectar la música con el movimiento y el cuerpo con el espacio y los compañeros. La propuesta se inspira en la mirada pedagógica de Rudolf Laban y Émile Jaques-Dalcroze, que entienden el cuerpo como vehículo de expresión artística, emocional y cognitiva. Para terminar se reflexiona sobre cómo la música y el movimiento favorecen la creatividad, la expresión y el desarrollo global de los niños.

El espacio escénico para el siglo xxi es un espacio de acción donde acontecen prácticas artísticas en el campo de las artes escénicas y se generan múltiples diálogos e interacciones con una intención expresiva y comunicativa. Su perfil interdisciplinario, como punto de encuentro de las artes, lo transforma en un medio educativo para el aprendizaje escolar. Damos ejemplo de ello a través de tres experiencias implementadas en la etapa de educación primaria.

Resulta preocupante la observación de determinados huecos dentro de la enseñanza institucional de la música, tanto de intérpretes como de futuros docentes. De estos huecos, el presente artículo se centra en dos de suma importancia: el aspecto psicológico del intérprete y el método de estudio emocional de una obra, y relata la experiencia de los alumnos luego de haber adquirido estas herramientas.

Se describe la experiencia didáctica en el marco de los «clubes de arte» en Montevideo (Uruguay). La narración se centra en la práctica instrumental en torno a la guitarra, a través de la interpretación de arreglos de música popular uruguaya (MPU) por estudiantes de educación media superior. En los cuatro meses de duración del proyecto, se desarrollaron competencias en interpretación, creación y contextos musicales con el repertorio y el establecimiento de vínculos saludables como ejes centrales.

Este artículo adapta el enfoque Artful Thinking a la audición musical en el aula, incorporando una perspectiva atenta a la diversidad cultural. A través de seis dimensiones del pensamiento sonoro, se proponen rutinas flexibles que promueven una escucha creativa, crítica y situada, aplicables en contextos educativos diversos.

Se presenta un cuento musical y su canción, ambos originales, con los que el grupo-clase de segundo ciclo de infantil participa como protagonista de la historia, que es narrada y dramatizada por el personal docente. Este cuento musical se estructura en cuatro actividades conectadas y complementarias unas con otras, que responden a los objetivos «artículo 3: a, d y g; contenidos: Bloques 3 y 4, y el criterio de evaluación: 3. Expresarse y comunicarse utilizando medios, materiales y técnicas propios de los diferentes lenguajes artísticos y audiovisuales» (BOE 185, 2007).

Propuesta de intervención didáctica que integra las metodologías de aprendizaje servicio (ApS), aprendizaje basado en proyectos (ABP) y aprendizaje basado en la creación (ABC) a través de un reto que pretende rescatar los sonidos perdidos del barrio.